夏の砂の上のレビュー・感想・評価

森山直太朗が出演ということで主題歌でも歌うのかと観ました
似合わない博多弁？話してました
特に盛り上がりもなく、朝ドラキャストがたくさん出てるなーくらいで終わりました

（完全ネタバレなので必ず鑑賞後にお読み下さい！）

結論から言うと、個人的には今作の映画『夏の砂の上』に乗れないまま鑑賞しました。

今作は、幼い息子の死、造船所の閉鎖によるそれぞれの失職と転職、息子の喪失からの妻の不倫、妹の身勝手からの姪の押し付け、など、それぞれが大切な題材であると思われましたが、何かそれぞれ主人公の不幸の心情を際立たせるための道具に個人的に思われてしまったのが、私的には今作に乗れない理由だったと思われます。

例えば細かい話なのですが、主人公・小浦治（オダギリジョーさん）が夜、中華料理屋で豚のゲンコツ（大腿骨）を割って、（おそらく豚骨スープ・ラーメンの）仕込みをしている場面があるのですが、その途中で「もう帰っていいよ」と店の主人から声が掛かる場面があります。
ただ、観客の私としては、豚のゲンコツを割った後でスープの仕込みにすぐ入らないのは通常あり得るんだろうか？割った後で冷蔵庫で1晩冷やして寝かしたりした方が味が良くなるとかあるんだろうか？‥と、疑問に思うシーンでした。
つまり、中華料理屋でのしっかりとした仕事風景描写の中での主人公・小浦治を描くというより、主人公・小浦治の喪失感を、制作側が大して興味もないままの中華料理屋での仕事風景を利用して描いていたように感じられたのです。

それは、閉鎖された造船所の元同僚・持田隆信（光石研さん）の、今はタクシー運転手の描写でも感じられました。

主人公・小浦治は、その後に事故で亡くなった元同僚でタクシー運転手・持田隆信の葬式に着の身着のままで駆けつけます。
しかし、そこで主人公の妻・恵子（松たか子さん）の不倫相手の陣野航平（森山直太朗さん）と陣野航平の妻の陣野茂子（篠原ゆき子さん）がいて、陣野茂子に、妻・恵子の不倫のことで責め立てられます。

そして主人公・小浦治がその葬式の場から家に帰ると、そこに主人公の妻・恵子が、タクシー運転手・持田隆信の葬式に呼ばれていると、喪服に着替えに帰って来ます。

ただこの場面も、主人公の妻・恵子に対して、不倫相手の陣野航平とその妻の陣野茂子のいる葬式会場に、”今は修羅場になるから来ない方が良いよ”と真逆の連絡が（例えば友人や不倫相手の陣野航平から）来る方が自然なのでは？とは思われました。

その葬式の過程で（主人公・小浦治と妻・恵子との遭遇と対立の直前に、主人公・小浦治が家に帰って来た時にいた）、姪・川上優子（髙石あかりさん）を尋ねに来ていた立山孝太郎（高橋文哉さん）に、主人公・小浦治が今は帰ってくれという場面があります。
しかしその場面も、なぜか主人公・小浦治は（家の外へではなく）家の中へと立山孝太郎を押し出そうとするのです。

この場面も細かいですが、個人的には人物の自然な行動ではなく、家の中から狙っていたカメラワークの都合で主人公・小浦治が立山孝太郎を家の中へと押し出そうとしたと感じられてしまいました。

そういったモンタージュが積み重なってしまったと個人的には思われ、肝心の主人公・小浦治と主人公の妻・恵子が幼い息子を失っていたことが分かる場面に来ても、因果が逆になって、幼い息子の死が、主人公・小浦治の喪失感を際立たせる材料になっていると、私には感じられてしまったのです。

今作は、造船所の閉鎖含めて、それぞれ大切な題材が扱われていたと思われます。
しかし、だからこそ丁寧に丹念にまずその日常のディテールを積み重ねる必要があったと思われました。
そしてその中で必然的に立ち現れるふとした喪失感を描く必要があったと思われるのです。

しかし今作は順序が真逆になっている（まず喪失感から全て始めてしまっていて、日常の生活の方には興味が薄くそれぞれ喪失感を際立たせる材料になってしまっている）と、僭越ながら思われてしまいました。

今作の映画『夏の砂の上』は、個人的にも好きな優れた俳優陣が勢揃いしていて、やはり今作でもそれぞれの素晴らしい光る演技が箇所箇所であったと思われます。
その点では観るべき作品の側面は一方であったとは思われます。

ただだからこそ脚本監督の問題は大きいと僭越感じられ、期待値が高かったのもあって、辛口なレビューになり失礼しました。

この作品を観て思い出すのは、函館ドックの閉鎖の街を描いた『海炭市叙景』、『そこのみにて光輝く』『オーバーフェンス』の三部作である。場所は違えど、大企業の事業撤退により解雇された従業員の生活が、丁寧に描かれている。従業員仲間の三人は、ひとりは職を失ったまま、ひとりはタクシー会社に再就職、ひとりは広島の造船所に転職と様々な事情がある。　特にオダギリ・ジョー役の主人公は失職中、妻が同僚とできて家を出て、おまけに奔放な妹のおかげで17歳の姪っ子を預かることになる。まさに踏んだり蹴ったりである。

登場人物はみな、これら閉塞状況をなんとかしたいと思っている。ある者はこの地から旅立ち、ある者は家族の呪縛から逃れていく。だが、そこに踏みとどまるしかない者もいる。この作品は、その踏みとどまる者の飽くなき葛藤を、長崎の風情になぞらえながら、丁寧に映し出している。ある時は坂、ある時は雨、ある時は昔ながらの襖で。それらは、生きているという感覚を失わないための安全装置のように思えた。

『ばけばけ』以来私の「推し」になっている高石あかりが、17歳の姪っ子を演じている。『ばけばけ』とも『ベイビーわるきゅーれ』とはまた一味違った感性で、複雑な感情を見事に演じている。
　彼女とオダギリジョーが織り成す、答えを求めないラストが心に響く。

やはりこれだけ暑すぎて必要不可欠な水💦が、
思うように使えなければイライラ💢maxとなるだろう。
だからといって事件など起こらない。
長崎で暑い日々を淡々と過ごす人たち、

イヤ、平凡な日常かと思えばそうでもない。
幼い一人息子を事故で亡くす。
時折映るカラフルな乗り物🚗のオモチャは、
その息子が生前遊んでいたものか。
保育園の帽子もかけてあった。
息子がいなくなって数年経っていそうだが、
捨てられないのだろう。
望遠鏡も買ってやったのに使う者が居なくなった？

わからないけれど、
両親双方に傷が残るだろう。
その乗り越え方はそれぞれ。
妻恵子は治の元同僚陣野に心の隙間を埋めて貰ったのか。
治には恵子を引き留める気力も残っていないのか。
造船所での同僚だった持田の就職祝いの飲み会後、
持田と陣野が泊まりに来るが。
陣野の心の内がわからない、バレてないとでも？

そんなところにやって来た優子。
この子の言動が私には理解不能。
良くない勤務態度ならクビになるよ。
だけど伯父の治は妹から預かったからと
保護責任を感じ接する。

治がずーっと働いていた造船所が潰れてしまった。
溶接工の資格を活かせる仕事は無いかとブラブラ。
持田は心機一転タクシー運転手に就職したが、
路面電車の停留所にぶつかり亡くなってしまう。
需要のある中華料理店に勤めた治。
陣野は請われるからと福山の造船所に勤める、と報告。
もちろん恵子と一緒だ。
離婚届を持って挨拶に来た恵子。
その別れ際の治の言葉。
大事な家族を失ってしまった者が経験する
その家族の存在の有無が混乱してしまう状態。
治も酷く苦しんでいるのだ。
同じく苦しんでいる筈の恵子を手放すことは、
治の優しさだろう。

待ちに待った雨☂️☔〜、
今までのイライラ💢が吹っ飛び、
はしゃぎまくる治と優子だが、
このシーン派手過ぎてしらけた。
鍋を遠くに置きに行くしフライパンもあるし、
雨水飲むし、ここはちょっとなぁ。

恵子に伯父さんの世話をする、と、
言い切った優子だが、
チャランポランな母が迎えに来たら
さっさとついて行った。
とことんいい加減な奴。

息子亡くし仕事無くし妻無くしオマケに指無くし、
それでも治は動じず飄々と生きていく。
ただ、生活費大丈夫かな。

オダギリジョーさんも子供さんを亡くされていて、
父としての心情をよりよく理解しての演技だったかと
思いました。

松田正隆の傑作戯曲を原作に、気鋭の演出家・玉田真也が映画化した『夏の砂の上』は、事前の触れ込みからすれば“筋金入りの本格派作品”として大きな期待を抱かせる企画だった。
さらに、オダギリジョーと近年存在感を増す髙石あかりの共演というキャスティングも、作品への期待値を自然と押し上げていた。
しかし、実際の映画は、その期待に応えるどころか、作品の核となるテーマがまったく立ち上がってこないという致命的な問題を抱えている。

玉田監督は、自身の劇団で上演した思い入れの深い戯曲を映画化したはずだが、その“思い入れ”が映画表現に昇華されていない。
物語はただただ進行するだけで、登場人物の関係性や裏切り、内面の揺れといったドラマの核心部分が、雰囲気だけで語られ、セリフや表情から読み取れるものが極端に少ない。
主人公・小浦治の孤独や喪失感も浅く、役作りは単調。
オダギリジョーは、監督の意図が見えない中で“これまでの自分のキャラクター”に寄せて無難に演じるしかなかったように見える。

松たか子の淡々とした演技も、複雑な関係性を浮かび上がらせるには至らず、物語の深度を支えるには弱い。
さらに問題なのは、髙石あかりのキャスティングだ。
特にバケツを持ってオダギリと盛り上がるシーンは、キャラクターの必然性も感情の流れも見えず、観ていて理解に苦しむほどだった。

演出と役者の身体性が噛み合っておらず、映画としての説得力が著しく欠けている。
そして、作品のテーマがブレた背景として見逃せないのが、オダギリジョーが共同プロデューサーを務めている点である。
監督が何か譲歩せざるを得ない状況が生まれたのか、あるいは互いを尊重し合うあまり、作品の方向性が曖昧になってしまったのか──
いずれにせよ、“誰の映画なのか”が不明瞭なまま制作が進んだ印象が残る。
その結果、映画全体が焦点を欠き、登場人物の感情も物語の主題もぼやけてしまったのだろう。

最終的に、この映画が何を描きたかったのか──
孤独なのか、複雑な人間関係なのか、社会から逸脱した人々への賛歌なのか──
テーマが曖昧なまま観客に丸投げされており、作品としての責任を放棄した印象すら残る。
期待して観たにもかかわらず、心の琴線に触れる瞬間は一度も訪れなかった。

豪華キャストの少人数で作ったので
俳優陣の実力が如何なく発揮されていると思った
夏を強調したいのか、蝉の声がうるさい
ものすごく暑い夏、例えば35℃を超えると蝉の声は聞こえないんだよね
長崎の8月が猛烈に暑いのであんなにセミの音を挟まなくていい
それと画角が統一されてないことが残念でした
人の動きに対して連動するのか
固定にこだわるのか
アップを印象的な使うのか
監督のポリシーのようなものが伝わらなかった
伏線回収は
手をやっちゃうところ、タクシー会社を覗くところ
少なからずあったけど、それだけでは新人の監督と大差ないと思った
内容自体は首記のとおり
誰も、何も救いようのない映画だった
登場人物の中で、あの夏に救われた人はいただろうか
福山へ行った夫婦とて救いはないと思う
そういう作品を描くなら、それ相応の意気込みで作り上げて欲しかったなぁ

高橋文哉くん目当てで鑑賞。とにかく映像が綺麗。最初はくらーい雰囲気で、人生生きて行くのが大変だなぁと思いながら見ていたが最後はみんなが前向きで終われたので結構すっきりと見れました。

「夏の砂の上」観了。観ていて思い出したのは「マンチェスター・バイ・ザ・シー」だな。”乗り越えられないこと”についての映画なんだと思う。まるで袋小路の様な路地と坂を彷徨う様に歩くオダギリ・ジョーが素晴らしい。

現実では、立冬を過ぎ、肌寒さを感じる時期になっている。それでも、映画の中からは、何とも言えない暑さと渇きが漏れ出してくるようだった。

戯曲が原作ということだが、舞台のニュアンスではなく、ガツンと映画らしさが伝わってくる。全編長崎ロケというリアルさゆえだろう。

登場人物たちの喪失と再生に重なるのは、長崎という街自体の喪失と再生でもあって、時折挿入される高台からの風景は、観光地的な清々した美しさより、寂寥感や閉塞感などの「イタミ（痛み・傷み・悼み）」を感じさせられた。

心にとまったセリフ。
「小指と親指は残っとるよ」

一人の男が喪失の連鎖に呑み込まれていく姿を通じて、私たちが生きる日本社会の構造的脆弱さをえぐり出した作品。息子を事故で失い、職場を閉鎖され、信頼していた後輩に妻を奪われ、さらには親友を事故で亡くす。これだけで十分に背筋が凍るような不幸の積み重ねだが、主人公・治は自らの指を切り落とすという行為によって、その行き場のない痛みを身体に刻印する。観客は「なぜ彼はそこまでしてしまうのか」という問いに直面せざるを得ない。

本作を単なる不幸譚として消費してしまうのは容易だ。しかし視点をずらせば、これは「現代の中年男性が抱えるシステミックな孤立」の寓話として読める。高度経済成長の残滓を背負う長崎の造船所に勤めていた治は、産業構造の変化の中で職を失い、都市部へ吸収されることなく地方で取り残される。ここに、かつての日本的雇用と共同体の崩壊が重なる。仕事を失うことは、単なる所得減ではなく、アイデンティティの消失に直結する。

さらに、家庭の喪失は精神的セーフティネットの喪失を意味する。妻を信頼していた後輩に奪われるという展開は、物語的な残酷さ以上に、共同体における信頼の基盤が脆くも崩れる様を突きつける。友人関係の死による崩壊もまた、社会資本の喪失に他ならない。経済学的に言えば、治は「人的資本」「社会関係資本」「身体資本」を立て続けに失い、もはや再起の足場を持たない状態に追い込まれる。

指を切る行為は、単なる自罰行為としてよりも、むしろ「現状からの脱出手段」として解釈する方が適切に感じた。料理人として働く現場から強制的に退場し、療養や休業という制度的逃げ道を確保する。それは絶望に駆られた末の合理的判断でもあり、社会制度に穴を穿つ“最後の選択”とも言える。観客が感じる戦慄は、そこに理屈が通ってしまうことにある。

本作は決して大声で社会批判を叫ぶ映画ではない。むしろ、乾いた夏の長崎を背景に、静謐な時間と余白の中で観る者に問いを委ねる。しかし、その沈黙こそが雄弁である。誰もが生きる中で何かを失い続ける。問題は、喪失を繰り返す中で私たちに寄り添う共同体や制度がどれほど残されているかであると感じた。

治の姿は決して特異な存在ではない。中年男性の過労死や孤独死、経済困窮による家庭崩壊は、統計的にも社会問題として顕在化している。本作が描いたのは、一人の人間の悲劇であると同時に、私たちが見て見ぬふりをしてきた現代日本の縮図。

痛みは癒えずとも人生は続く。その静かな残酷さを、監督は長崎の坂と乾いた夏の風景に託した。観終えた後に残るのは、登場人物への同情よりもむしろ、自分自身や社会への問いかけであった。私たちは彼のように「砂の上」に立っていないと言えるだろうか。

私は良くも悪くも別にという感じだったが、この登場人物達のダークな展開は好き嫌いの意見分かれそう。。でも良い所上げるとすればこのフィルム全体のゆったりとした空気感、時間の流れ方はボーっと見てて好きかも。長崎弁も良し。オダギリさんが実際に子供を亡くしているとの事でこの映画とリンクしているのかな。

ちょっと思っていたのとは違う感じでしたが、とにかく映像が美しかったです。

脚本が良かったように思う。
ジワジワと盛り上がるこんな地味な映画がいま映画化されるのは時代錯誤だと思ったが、結構良かった。
意外にも森山直太朗の演技が良かった。最初森山直太朗に似ている人だと思っていたのだが、なかなか良い演技しているなと思って映画のエンドクレジットで森山直太朗と出てとても驚いた。演技できるやんと感心した。
雨が降った直後のシーンが素晴らしかった。全てを洗い流して新たな人生を歩んでいくリセットされた感が心を揺らされた。
今日見た映画館で客は僕しかいなかったが、映画を独占できた感が強く贅沢な時間だった。
客が入らなかったのは完全にプロモーションの失敗だといえる。もっと多くの人に観てもらいたい映画でした。

「また男やろ！男が出来たとやろ！」なかなかに子どもには見せたくない出だしではある。
ケガしそうだなぁと思って見てたらやっぱりケガした。親指と小指だけが残った、というのは父親と亡くなった我が子の比喩なのか？とか。また別れた妻があれほど固執していた筈の位牌を置いて行くと言い出すところとか。

カラカラに乾いた夏の空、降り注ぐ雨。

重き荷を負いて坂道を登るが如く、それが人生なのですね。

雨の降らない夏の砂のように乾いた人間模様が描かれる本作。
雨で我が子を亡くした主人公が、姪と雨の喜びを分かち合うことで希望が生まれる。

たった一滴でいいんですよ。心にたった一滴したたるだけでこんなにも潤う。
すべてが満たされるわけではないけれど、何かが劇的に変わるわけではないけれど、たった一滴でこんなにもマシになる。

冒頭とラストはほぼ同じシーンが繰り返されるが、印象は全く違う。すごい表現力。
序盤から、雨が降らないことによるのどの渇きや水のない生活への焦燥感と乾ききった人間模様を重ね、そして終盤にやっと雨が降る。
主人公にとって雨は小さい息子を亡くした後悔の象徴だが、その雨に喜びを感じることでカタルシスに繋がる。
重要なのは、どうやってカタルシスに繋がるかをぼかして観客にゆだねている点だ。雨の喜びを大げさに演出し、なぜこんなにも喜んでいるのかということをあえて言及していない。
息子の死を乗り越えたととらえる人もいれば、雨の喜びを分かち合い心を通じさせた友人（姪）ができたととらえる人もいるだろう。
それはどうとらえても観客にとって正解となり、観客が自分で気づくことが観客にとって最も説得力のある答えなのだ。
そして、きっとそれは”なんでもいい”のだと思う。なんでもいいから乾いた心に一滴でもしみこませることが重要だと説うている作品だと思う。
そこをぼかすのは「分かりにくい」と感じさせることもあるのですごく勇気のいることだと思うし、ぼかし方も素晴らしく絶妙だ。

邦画らしく、劇的でなくじんわりときいてくる作品だった。
個人的には静かで、かなり好みな作品だったけど、退屈だという人もいるだろう。

最後、指を切るシーンは必要だったのかね。あれいらなかったんじゃないの。

余談ですが、これを見に行ったとき、ちょうど劇場の空調が故障により機能が低下していて、少し汗ばみながらの観賞となった。作品の内容とマッチした環境で逆に良かった。

すごく良かった
高石あかりさん
旬な感じしますね

した映画。やや濃い目のやや暗めな日常。オダギリジョーの雰囲気には合ってる。松たか子がこんなにも嫌な感じの普通のおばさんで終わる映画も珍しい。高石あかりの顔は別に好きではないんだけど、なんか惹かれてしまう不思議な魅力。